实际上画得像不像，人一眼就能看出破绽，跟算如何算公式没关系。别总想着从物理定律那套讲起，那种"X 乘以 Y 等于 Z"的说法在绘画里是土得掉渣的。真正让画面跳出来的，是眼，是把目光从文档上抽出来，直接去盯着画面本身打量。

比如画个嫩芽，别急着画那种僵硬的根须，得先看清它下面的土是不是软绵绵的，就连要把手伸进去捏一捏，想想要是手指头陷进去，股骨会不会颠啊，要是颠，那根茎是不是就得微微弯曲；再看它的叶子，边缘是不是带着点粗糙的毛刺，还是顺滑得像抹了油？那些教科书里教你的“三点透视”，最忌讳的就是死板。你得学会在草稿纸上一笔带过，就连直接用手比划，认定出点土，就抠点土，认定出点水，就渗点水。别管透视线对不对，反正人眼都是随大流的，只要你画出来的东西看着是合理的，观众就信你。至于光影，千万别堆砌高斯不清楚要么那种卡通式的渐变，那是骗人的鬼脸。

真的阴影往往挺脏、挺不整个，阴影里混杂着环境的色彩，像一块吸收了阳光、又出于推土机蹭到了灰尘而斑驳的地面。你需求的是“脏”，是那些为了表现真环境而不得不花的小瑕疵，哪怕这瑕疵让你自己都忍不住想删掉。 说到细节，那是最好办露馅的地方。别总想着用填充色把物体填满，那样忒假了。你要学会留白，这是最狠的一招。画个苹果，别给它画上那种平滑的表皮，试着把它画成个坑坑洼洼的，就连有点发皱的，再在上面撒几粒确实种子，记得给那些种子加点阴影，让它们看起来像是刚冒出来的。

这时候再画个叶脉，别用线条去描摹，要顺着叶脉的走势画，线条要短促、有力，就连带着点抖动，就像你是在快速抓取画面里的视觉信息。

这时候光硬往物体上照一照，肯定是照不出来的。你得把光源当成一个具体的东西去处理，比如给它加点风，要么让它照着一个方向，这样整个画面的亮度对比才会自然。

还有，材质的表现就是关键。金属不是越亮越好，要看到那些被氧化要么磨损的痕迹，比如划痕、指纹，就连是生锈的点。塑料要有那种表面的反光，像那种磨砂的质感，摸上去滑溜溜的，但又不是绝对光滑。

要是是玻璃，得想清楚它是如何反射背景的，还是如何折射光线的。你能够拿手指头在画布上蹭一下，想想要是手指头上有油污要么指纹，那玻璃框上是不是会有一圈不清楚的晕染？这些生活里的小细节，才是把东西变确实关键。 构图和节奏也是不能省心的地方。别整那些千篇一律的对称构图，画面里要是全是东西，观众肯定累。你得有取舍，要有主次。

有时候把主体压得低一点，让背景的高大物体显出点气势，那种压迫感就来了。

要么把主体画得离镜头近一点，哪怕它是个一般/平平的石头，近景也能拍出它的神韵。参考照片的拍摄角度也挺关键，别总往上仰要么往下俯，得看现场。

要是是拍一个坐在台阶上的老人，你得先找到他脚下的台阶，沿着台阶往上画，这样他的腿和身体比例才稳。

要是是拍一个倒下的雕像，你得先找到支撑它的腿，再往上画，否则雕像可能会歪。

还有景深的概念，这也是大量新手好办忽略的。你画出来的景深，实际上是镜头实际能看清的范围，而不是你画的所有东西。

要是画面忒满，观众看腻了，哪儿都是背景。你要学会像相机一样，只让焦点里的几厘米东西清楚，周围的都虚化，哪怕是用柔光滤镜，效果也能差不多。记得在画面上浮一层灰尘，要么画两点淡淡的噪点，这能瞬间拉开你画的虚化和真感之间的差距。 最终聊聊色彩，这是灵魂所在。别死磕某个色相环要么配色理论，那是给电脑看的，不是给人看的。你要看的是实物，是色彩在物体表面的分布。

比如一个红色的苹果，它应当不是纯红，而是带着点黄绿，出于光照下来，不同位置的颜色肯定有变化。阴影里的红色会变深，边缘处的红色会变浅，就连有点发青。

要是你在画的时候认定颜色分布不合理，就说明你还没看透物体本身。你要学会把冷暖色调揉在一起，冷色做背景，暖色做主体，中间再穿插点中性色。冷暖对比要清楚，不要糊成一团灰。

有时候一个红苹果在冷色调的云朵背景下会贼突出，那种反差感才是高级的。画完别急着改，有时候颜色是好的，你只是没注意到它的变化，试着去观察一下光是如何落在对象上的，它是如何让某个部位变亮的，如何让某个面变暗的。 画画这事儿，越到后面越不能照本宣科。你就连能够在纸上随意画个圈，随意涂两笔绿漆，只要它能让你认定“嘿，这玩意儿确实长这样”，那就是个好画面。别总想着追求完美的透视，别总想着还原每一寸色彩，有时候“假”一点反而更有味道，出于那是人类观察世界的本能，是直觉，是活生生的感受。

只要你能在那张纸上，看着纸上的样子，让眼认定“真”，那就算画好了。别被那些复杂的技法吓到了，眼才是最好的试金石，只要它说这玩意儿是假的，那你就持续画，画到它认定这玩意儿是真是假为止。