画山上的树，跟画地面上的方块子彻底不一样。地上那玩意儿，老师总爱拿那种网格纸要么方格尺来调，硬生生把树拉得笔直，像刚出土的白蚁一样，干巴巴的。可山里的树，是有性格的，是有生命力的。

你想让一棵树看起来活蹦乱跳，要么像刚被雷劈过一样难看，那得看你是想写啥故事。 实际上最好办的秘诀，就两个字：留白。别急着把树枝填满格子，也别把树叶画得密密麻麻挤成一团。山里的树，本身就在呼吸，画的时候要是让它喘不过气，那就完蛋了。你得给树干后面留点影子，给它后面留点空间，让空气流动起来。

你看山里的松树，秋天一到，叶子黄了，根子都能透出来，那种苍劲的感觉，靠的是把主干画得粗一点，把分叉的念头留白，像写毛笔字一样，一笔一划地劲儿，而不是填满了纸面。 画梧桐树的初秋，要是想把它的叶子画得有点歪乎，有点沧桑感，那就大胆一点。树干能够画成歪扭的，像喝醉了一样，树叶也沾点泥巴，落在地上，然后慢慢晕开。

这时候不用管透视，不用管比例，只要感觉对了就行。

实际上大量初学者最头疼的就是树冠，想让它重心稳盘子，结局画出来像个圆帽子扣在头上，顶天立地，让人看了就头晕。

这时候你得换个思路，把树冠画得松散的，就像风一吹就散开。树梢能够画得有点参差不齐，有的高，有的低，有的被风吹走了。

这种不规矩，恰恰是山里的味道。你要是忒规矩了，那是温室里的菜，画不出来那种野性。 还有，山里的树，胸口的纹路得有自己的脾气。大学生都当作树干上那些圈圈点点就是纹理，实际上不然。

那些圈圈是风在树身上刻的印子，是工夫留下的痕迹。画的时候，别把它们画成死板的圆圈，能够长一点，也能够短一点，像蛇一样缠在一起。有的地方画得松垮，像刚扎出来的针眼，有的地方画得实沉，像老人皮肤上的老茧。

这种松紧的变化，不用加任何形容词，你自己感受画出来的瞬间，那种质感自然就出来了。你要是忒死板地画得像一张线描图，那反而像在做标本，没味儿。 说到例子，我就想起我当年画那棵老槐树的时候。我是直接拿起板子，把树干画成褐色的，然后急着用五颜六色的颜料去浇上去。结局颜色没画匀，反而把树皮画花了。

后来我略微停顿了一下，看着夕阳， Hintergrund 就下来了。我把树叶一局部画成金黄，一局部画成深绿，中间留个灰白色的过渡，就像老人脸上的皱纹。

这时候再看，那树就不只是木头了。我就连忘记画叶子尖端，只画几个大叶子，让它们随风摆动。

这种不追求对称、不追求平衡的做法，反而让整棵树有了灵魂。

你看，那棵老槐树在风里摇的时候，是不是会晃得让人心里发慌？这种动态的感，就是画出来的活。 实际上啊，画山里的树，最怕的就是画得忒满。满的话，它就死了，就像个罐头塞满豆子，挤得喘不过气。树根扎进泥土里，那是个秘密基地，画的时候别忒把它暴露出来。树根能够画得细长一点，像夹子一样，间或探个出来，然后又被土盖住。

这种虚实结合，才是山气的所在。你要是想把树画得高大挺拔，那得靠线条的张力，线条要长，要带点弧度的起伏，不要那种平铺直叙的直线。直线是画大街的，不是画山的。

要是你把树干画得端端正正，像个写字台，那离山就不近，离地就不近，你只能画出个“树”这个字，画不出个“山”的味道。 有时候啊，画得越好办，反而越好办出效果。别搞那些复杂的阴影、渐变，也不用去纠结光影如何来。

或许你只需求一根粗壮的树干，画得有点扎手，画出一两个歪歪扭扭的树枝，然后砰地一声，把树叶盖上去。

这时候你的作品就带着一种原始的生命力，像是刚从野地里捡回来的，带着泥土和草腥气。

这种“原始感”，恰恰是山里的树最迷人的地方。它们不讲究对称，不讲究透视，它们 Just 存有。你画的时候，也得学着它们，不那么在意规则，不那么在意比例，只要那份劲儿到了，那么一切就都明白了。 你看那些山里的古树，历经风雨，树皮糙糙的，叶子金灿灿的。你要是把那种粗糙的质感画出来，把那种金黄的色调晕染出来，留一点空白给天空和云，那出来的画面，是不是比那些老式画册里那些冷冰冰的立方体树要生动多了？它们会呼吸，会开花，会落叶，会经历一个又一个春夏秋冬。你画的时候，也别忒严肃，也别忒紧绷。间或画得有点傻，有点不雅，那正好。就像生活有时候就是这样，忒完美了也就没有意思了。山里的树，容不得那么多修饰，它们就是那样自在生长，你照着画，自然就活过来了。