如何画翅膀：别按步骤来，直接上手 画翅膀这件事，真没法像背字典那样讲第一课。前头总有人憋了个“翅膀”在脑子里转悠，结局画出来的全是歪七扭八的废稿。

说白了，翅膀这东西就是空气里的灵动感，要是硬生生拿笔画出来，那玩意儿就死了。

你想啊，电影里那些翱翔的鸟，剪影都美得像丝绸，可你要是按部就班地画，只要线条是直的，结构是标准的，最终出来的是个冷冰冰的标本，没那个魂儿。 故此咱们不整那些虚头巴脑的“构图步骤”、“起形过渡”这种老黄历。直接给个痛快话：画翅膀就是画画。 先别管啥偏旁部首，也别管解剖学的肌肉分割图。你只需求一个念头：翅膀往哪儿飞？翅膀往哪儿停？一旦心里有了个大约的方向，剩下的全是运气。

比如画一只鹰，得先想明白它是要俯冲下来啄食，还是在空中盘旋展示，亦或是预备起飞离巢。

要是是俯冲，线条就得带着一股子狠劲，倾斜的、收敛的；要是是盘旋，就得松一点，带着点圆润的弧度。

要是想画出那种滑翔的感觉，小心线得像波浪一样起伏，就连间或留点空白，让空气在那儿钻进去，翅膀才显得轻盈。 大量人总纠结线条粗细，认定细线条画不出质感。

实际上不然，柔韧的线条比死板的重线更有味道。你能够用一把一般/平平的钢笔，把线条画得细细的，像柳枝一样，顺着鸟要么鱼的自然延伸感去走。

要是想加点变化，间或把线条画粗一点，画粗一点，再轻轻拉直补回来。

这种忽粗忽细的运笔，恰恰模拟了羽毛在风中颤动的样子。

还有啊，别忘了颜色。翅膀上的花纹是不是像锦缎一样？那就别用一笔墨抹到底。用颜色来勾勒，用深浅来区分层次，就连能够在两两相邻的羽毛间留点空隙，让颜色在边缘晕开。

这时候千万别急着填实，把边缘磨得油润一点，光影过渡自然就出来了。 说到光影，这是翅膀的灵魂所在。翅膀这东西，大局部工夫都是半透明的，要么起码是半遮半掩的。就像半透明的玻璃，要么半透明的塑料膜。

故此画的时候，你得学会给翅膀加“一层纱”。在翅膀的边缘加一条淡淡的、半透明的阴影，要么用一种比底色稍深的颜色略微盖住一局部，别把它画成实心的黑色块。

这样既保留了体积感，又透出了那种通透的质感，就连还能让光线透过翅膀洒在身后的羽毛上，形成漂亮的渐变。

要是画得忒实了，那就是个死物；画得忒透又没轮廓，那就是个漏风的风箱。 最关键的，还得有那种“气”。画一只鸟，得有它想要飞翔的状态。翅膀的位置是不是舒展？关节是不是自然弯曲？要是是预备飞，那翅膀得展开得大方，撇出一点余韵，不要画得忒满，留一半给想象。

要是是休息的，翅膀收得紧凑，像个小伞，保持一种收拢的张力。

这种动态的平衡，比任何复杂的透视都管用。就像你画画时，心气不能低，得认定自己是在跟天空对话，而不是在描一个二维的图形。 还有啊，别忘了参考那些伟大的作品。想想达·芬奇画的鸟，或是保罗·波烈（Paulo Barley）笔下的精灵鸟。

看看那些画家的翅膀，是不是都有那种独特的几何美感？看那些鸟翼重叠的层次感，看背景里飞翔的其他生物对主体的遮挡关系。把这些观察记下来，下次画画时就能自然地把它们融入进去。别总想着自己从头启动画一个完美的翅膀，先画一群鸟看它们如何动。 最终再啰嗦一句，画翅膀最忌讳的就是板着个脸，像个照相机一样咔嚓咔嚓地拍。画画是种感觉，是即兴的。

有时候灵感来了，翅膀该收就收，该张就得张，该倾斜就倾斜。保持一点胡扯的心态，保持一点随性的笔触，你挺快就能画出归于你自己的翅膀。

记住，翅膀是活的，画出来的东西也得是活的，不然别说是翅膀了，连个骨架都算不上。多试几次，多感受空气的流动，你会发现，只要心中有风，翅膀自然就飞起来了。